Un pensiero sugli Anime… In Prosa.

Anime: “A Silent Voice”

Mi guardo un Anime.

Mi guardo un Anime… Quante volte ho pronunciato queste parole.

Mi guardo un Anime… Il lucido riflesso di uno schermo, qual compagno fidato.

Mi guardo un Anime… Che nel mentre la vita scorre.

I ricordi di alcuni momenti passano fugaci tra una mano nei capelli ed una sulla tastiera e fu proprio li che imparai l’odore delle sei del mattino.

I colori di un alba calda e rossiccia e l’emozione mista al brivido di essere consapevoli di qualcosa di speciale, in quel momento precluso a tutti tranne che a me, ho vissuto una storia meravigliosa che già mi manca… che già ne vorrei ancora.

Chiudendo gli occhi posso sforzarmi di sentire un fresco leggero che già da prima stimola il mio malizioso sorriso; ne rimembro. Ne rimembro di mondi fantastici che nessuno può sperare di viverne di simili, nel buio, nell’ansia, nella gioia, la tristezza, le risate, lo stupore e il batticuore. Ne rimembro.

Ma mai niente è sempre uguale e rimembro anche altro. Il dolore, la fatica, la paura e la privazione. Quanto è dura possedere passione ed ossessione e non poterle vivere ne esprimere fintanto che esse diventano feticcio e droga del sentire uno scopo, del sentire una vita, del sentire la tua vita. Un qualcosa che non sentirà mai il peso degl’anni.

Eppure la sento ancora, anche adesso. Sento ancora la calda e silenziosa coccola della notte dove nessuno giudica e tutti siamo uguali. I momenti di riflessione, il crescere del corpo nei pigiami, le lunghe pause. Ricordo tutto, persino le lacrime ed i su e giù nella stanza.

Com’è possibile mi domando? E la risposta ancora chiara non è, ancora la sto cercando che si nasconde… tra le pieghe della mia mente e del mio cuore. E se ne volessi di più? E se potessi fare di più? Quesiti questi che scandiscono giornate intere siano esse di pioggia o di sole, ma in vero preferisco l’acqua che scende dal grigiume di un cielo pezzato piuttosto che le lance di luce così poco rispettose dell’intimità altrui.

Chissà se quando mi resi conto del profondo disagio era un giorno di sole? Quello non riesco a riportarlo alla mente, ma d’altronde non riesco comunque a farlo con tutto, sicuramente ho perso dei pezzi per strada e a quel pensiero il disagio si acuisce.

Cos’è quella sensazione? Cos’è quella morsa al petto che stringe talmente forte da bloccare gambe e respiro? Perchè quelle lacrime agl’occhi ed il viso così tanto strizzato verso il centro? Cos’è? Che rabbia non saperlo… Oppure lo so? Oppure lo so ma non lo capisco? Oppure lo so ma non lo voglio ammettere?

E se fosse poca appartenenza a questo mondo? Se sentissi di non dover essere qui e di scappare, dove andrei? Probabilmente in quei fantastici luoghi di cui tante parole proferisco. Vado a letto che loro mi chiamano, l’indugiare delle mie fantasie vola per lidi sconosciuti ai più, ma è solo un illusione momentanea… il mio corpo resta bloccato qui.

Arriverà presto un altro giorno ad intimarmi la malinconia e la nostalgia nei ricordi di qualcosa e di qualcuno che non sono mai esistiti.

Mi guardo un Anime… Che il tempo è già poco.

Mi guardo un Anime… Che la voglia e la quantità mai si affievoliscono.

Mi guardo un Anime… Che nel mentre la vita scorre.

– Salvatore Savino

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Filosofia degli Anime I:

“Children of the Sea”.

Neanche a dirlo, Nuovo Format. Abbiamo accontentato gli “psicologi” e adesso accontentiamo anche i “filosofi”.

In questo nuovo format infatti, andremo ad analizzare la filosofia di fondo che permea una particolare opera mettendola in contrapposizione agli eventi che stanno effettivamente succedendo a schermo; in questo contesto cercheremo parallelismi e “perpendicolarelismi”, così facendo saremo anche in grado di capire quanto l’anime rispetti le sue premesse ideologiche.

Come sviluppiamo il tutto?

Prima di ogni altra cosa diamo una introduzione, giusto da capire di cosa stiamo parlando, in seguito opereremo un sunto di tutte le vicende del cartoon giapponese in questione per poi confrontarle con la sua filosofia ed infine trarremo le conclusioni.

Voglio precisare che in questa sede non valuteremo il comparto tecnico, ne quello grafico; per quello abbiamo creato apposta la sezione delle “Analisi Tecniche“. Oltretutto non considereremo neanche la psicologia: ne quella generale dell’opera, ne quella specifica di qualsivoglia personaggio; a parte che anche qui vi è la scheda apposita “Psicologia dei Personaggi degli Anime“, ma in ogni caso il punto è che vogliamo focalizzarci sull’aspetto più squisitamente metafisico del tutto.

Ready? Go!

La balena di “Children of the Sea” chiamata anche “Il Re del Mare”

Long Story Short.

Ruka Azumi è una ragazza delle scuole superiori che per via di un’incidente non potrà godersi le vacanze estive. La casualità degli eventi la porterà a conoscere, invece, due ragazzi nati dal mare e cresciuti dai dugonghi: Umi e Sora; come Ruka apprenderà dai due, loro sono veicolo e oggetto di un particolare fenomeno legato agli oceani. Fenomeno che vuole essere capito da alcuni, conosciuto da altri, sfruttato dai pochi. Nel team di scienziati e militari studiosi dell’evento vi è anche il padre di Azumi e questo permette alla ragazza di passare molto tempo insieme ai suoi due nuovi “amici”, mettendo però sempre da conto che lei è innamorata di Umi; proprio nel seguire quest’ultimo nelle sue peripezie, Ruka acquisisce conoscenza di molte cose. Il linguaggio del mare, il canto delle balene, il fatto che quando qualcosa brilla in natura è perchè vuole essere trovata e la vera natura delle persone e dei loro pensieri come specchio dell’Universo. La ricorrenza è però agli sgoccioli e Sora muore o per meglio dire “ritorna al mare” ma non prima di aver fatto ingoiare una misteriosa pietra ad Azumi, in concomitanza a ciò Umi regredisce cerebralmente e negli eventi che da li in poi si dipaneranno l’unica persona che può aiutare sia lui che Ruka sarà “Dede“: “tuttofare” del mare e custode dei suoi antichi segreti. Mentre Dede accompagna il duo nel luogo ove gli “invitati” possono partecipare al rito, spiega ad Azumi la reltà dietro il ruolo delle stelle, degli oceani, del vento e dei meteoriti; ora però Ruka deve svolgere il suo di ruolo venendo inghiottita dal “Re del Mare“: una gigantesca balena ricettacolo secondario di ciò che verrà. All’interno del ventre del cetaceo Azumi ritrova Sora, ben conscio di cosa stia accadendo, e quest’ultimo le indica di come sarà lei a divenire ricettacolo primario grazie al potere del meteorite dentro di lei; un potere in grado di generare una fonte d’acqua particolare, quasi fosse brodo primordiale. Comincia l’ascensione ed in questo frangente Ruka dovrà decidere se divenire la nuova entità cosmica generatrice di un nuovo Universo oppure passare il ruolo ad Umi, gli eventi propenderanno per la seconda opzione; a quel punto l’alba di un nuovo giorno incombe e le vacanze estive della protagonista sono finite.

Ruka e Umi in una scena del film

Delucidazioni e Filosofia.

Perfetto, ora che avete letto lo svolgersi della vicenda non ci avete capito nulla! Ed è giusto così. Ciò che andiamo a fare adesso è: dare due delucidazioni al tutto e nel mentre spieghiamo il contesto filosofico.

Non cadiamo però nel più banale degli errori, il film è strutturato in modo che tu possa vederlo in modo stratificato: esiste un significato univoco poichè ogni livello di interpretazione ti porta a quello, ma questo non può essere compreso appieno solo basandoci su quello che vediamo e sentiamo. La risposta la si ottiene solo unendo il piano fisico a quello più astratto e astrale ove la nostra mente viaggia quando si ci interroga sui grandi quesiti; funziona un po’ come se fosse un materiale composito che per essere assimilato in maniera corretta dalla nostra capacità di apprendimento deve essere esplicato per l’intero numero dei suoi spessori che lo compongono, non solo per uno dei tanti.

Partiamo dal principio chiarendo che Umi in giapponese significa mare e Sora cielo, mettendoci nei panni di chi osserva dalla riva del mare queste due componenti toccarsi all’orizzonte potremmo quasi pensarlo come un’osservato suntivo di tutto ciò che esiste; ovvero l’Universo. Quindi l’unione dei due porta a ciò che esiste in toto. Dede però spiega allo spettatore, mediante Ruka, che esiste una terza entità di scambio tra i due: il vento portatrice dei segreti dell’oceano, che spargendosi nel cielo possono essere carpiti dagli uomini in grado si saper ascoltare. In quest’ottica il fatto che Ruka sia innamorata di Umi e che Sora sia innamorato di lei assume un valore simbolico molto evidente. Azumi è quindi il vento, il punto di congiunzione tra Umi e Sora. Ma perchè proprio lei? Perchè lei deriva da una discendenza particolare: le parole che Dede usa per esplicare la ricorrenza cosmica che di li a poco avverrà, sono le stesse della canzone usata come ninna nanna dalla madre di Ruka quando lei era piccola; non solo, la stessa veniva usata anche dalla nonna. Ne deduciamo quindi che Azumi abbia alle spalle un albero genealogico da parte genitoriale femminile destinato a rivivere per ogni arco generazionale la celebrazione designata dal calendario stellare. Ciò ci viene anche confermato dal fatto che sia Ruka che sua madre non riescono a farsi capire dagl’altri nonostante, a detta del padre di Azumi, c’è la mettano tutta e questo avviene perchè non sono troppo avvezze al genere umano; la scrittura del loro DNA è di natura più celestiale, non per niente in conclusione della pellicola la madre di Ruka partorisce: la nascita di un bambino raffigura la creazione del nuovo Universo sul più basso dei piani di esistenza. In questo modo viene data anche una risposta al perchè Azumi sia così interessata al canto delle balene: l’incomprensione dei suoi gesti deriva, nell’atto pratico, dal fatto che ella non è in grado di esprimere a parole ciò che sente; la sua natura infatti non propende per l’uso della parola, strumento squisitamente umano, ma piuttosto per la trasmissione delle emozioni esattamente come sono. Come fanno le balene. Le parole possono veicolare solo un lmitato numero di informazioni. Qui abbiamo anche l’assist di collegamento tra un concetto e un altro riguardante la possibile natura cosmica delle balene come ricettacolo procreativo.

Dede con tutta probabilità è uno di quegli esseri umani concettualmente più alti a livello di pensiero, per questo si allerta quando Sora fa ritorno alle sue origini tramite l’atto della morte. La conoscenza precisa dello svolgersi della cerimonia però gli deriva dal fatto che l’ha già vissuta, probabilmente quando fu la stessa cosa per la madre di Ruka; cosa che ci viene fatta intendere dalle sue ultime battute all’interno della pellicola.

La dinamica che intercorre nel trio dell’ “Ave Maria”,arrivati ad un certo punto, comincia a delinearsi: Sora è cosciente prima di tutti gl’altri del suo ruolo ed una volta esauriti i preparativi il suo compito viene meno e la sua essenza ritorna al posto che le spetta. Ricordiamo infatti che Umi e Sora sono bambini nati dalla natura intesa come madre generatrice di vita: il team di studio responsabile per i due govani cerca invano di capire come questi due ragazzi possano essersi adattati alla vita in mare ignorando la cosa più importante. Non importa che siano stati cresciuti da dugonghi, non importa che il loro corpo si sia modificato per via dell’ambiente in cui sono vissuti; quello che veramente importa è la concezione che i due stanno sviluppando di se stessi: mediante le analisi mediche effettuate sui loro corpi i ricercatori vorrebbero sfruttare il grande evento ma proprio per questo non ci riusciranno mai. La micragnosità dell’essere umano lo porta a riflettere solo su quello che è meglio per lui senza curarsi di quello che vi è al di sopra delle loro teste, così facendo si rimane incastrati su un piano di consapevolezza basso ed è proprio questa bassa consapevolezza che non gli permette di vedere le cose che Ruka vede. Nonostante Sora affermi più volte di brillare nel corso della vicenda, gli scienziati non lo notano; ci viene spiegato che le cose che brillano lo fanno perchè vogliono essere trovate, quindi probabilmente Sora non vuole essere trovato (che in questo caso assume l’accezione di capito) da quegli esseri umani egoisti. Probabilmente tutto ciò è anche il motivo per il quale Sora preferisce la compagnia della divisione composta da Anglade e Jim Cusak, anche loro uomini di scienza ma diversi negli intenti. Anglade e Jim sono persone un po’ slegate dal resto del mondo, persone un po’ particolari e proprio per questo più speciali, più consapevoli. Jim nonostante il grado di importanza raggiunto nel suo ambito gira in camicia hawaiana e pantaloncini corredati da sandali, in più e pieno di tatuaggi su tutto il corpo Anglade dal canto suo ha i capelli molto lunghi e vive su di una barca, è interessante notare come Anglade nella prima scena in cui lo vediamo sia girato di spalle non facendoci esattamente capire il suo genere; ne consegue una naturale associazione metaforica per la quale il film ci vuol forse far capire come per aspirare alla grandezza di pensiero dobbiamo lasciarci alle spalle i preconcetti, anche di divisione sessuale. Ad ogni modo grazie alla sopracitata “dinamica dei tre” riusciamo a collocare ogni tassello al proprio posto: Umi rispetto a Sora si è adattato meglio alla vita sulla terraferma perchè tra mare e terra vi è un legame più stretto che tra cielo e terra, teoricamente Sora nella concezione cosmica avrebbe dovuto avere la sua rappresentazione fisica in cielo ma penso che l’universo stesso non potesse modificare fino a tal punto il genoma umano da dotare di ali lo stesso; quindi si optò per renderlo più conforme agl’oceani anche se mozzato nelle caratteristiche. Non per niente il detentore originale del meteorite, un oggetto proveniente dl cielo, è Sora. Sora ritornerà per primo ad essere parte di un qualcosa di più grande poichè rispetto ad Umi ha un insight maggiore su quello che sta succedendo, Umi deve acquisire ancora la giusta maturità insieme a Ruka. Questa maturità Sora non può instillarla direttamente in Umi, deve farlo tramite un canale congiuntivo; il vento interpretato da Azumi magari, ed ecco perchè questa maturità espressa dal meteorite viene affidata a lei. Lei avrà il compito di passarla ad Umi nel momento giusto.

Ruka sott’acqua figurandosi le bolle come piccole galassie

A questo punto dell’anime viene tolto il “Velo di Maya” su ciò che sta accadendo: ci viene spiegato che il mare è il grembo materno, il meteorite lo sperma, Ruka l’ovulo, Sora portatore della conoscenza e Umi prova finale di una mente soprelevata; concentriamoci sul ruolo di Umi. Nel momento in cui Azumi viene chiamata a decidere se essere o meno il nuovo essere celeste, Umi che fino a quel momento era sparito nei meandri interni della balena riappare: Ruka sta trascendendo e la cosa le apre le porte a conoscenze precluse fino a quel momento, Umi cerca di strapparle il meteorite dalle mani per fermare il processo e divenire lui l’ovulo. Azumi non ci sta e si ribella, un po’ per egoismo un po’ perchè non vuole che Umi sparisca dall’orizzonte di ciò che lei da umana può computare, in questo modo Umi viene privato della maturità ancora di più e ciò lo fa regredire allo stato di bambino; in questo momento Ruka capisce il vero stato delle cose: il meteorite più che la maturità rappresenta la luce guida di Umi e senza di quella regredirà sempre di più, sino a sparire. Azumi prende una decisione e superando i suoi desideri terreni rende ad Umi il posto che gli spetta. Il nuovo Universo è nato e grazie all’esperienza vissuta Ruka riuscirà a mettere da parte l’incidente scolastico avvenuto all’inizio delle vacanze estive, perchè è maturata.

Nello scrivere devo ammettere di aver avuto quel retrugusto onirico derivante da alcuni echi di lontana memoria Bloodborniana nell’attingere alle mie speculazioni sul calendario stellare e le sue ricorrenze. Con un sorrisetto un po’ malizioso riusciamo effettivamente a saggiare un po’ quell’atmosfera di gravidanze di Grandi Esseri cosmici.

Tutto è Uno e Uno è Tutto.

Più e più volte questo concetto ci viene ripetuto ed esplicato attraverso vari ragionamenti ed esempi, di seguito andrò a presentare i due più incisivi.

L’essere umano è come l’Universo, non per niente il processo di formazione dei pensieri è lo stesso della formazione delle Galassie. Potremmo immaginare il contenuto del cervello come uno spazio nero nel quale fluttuano tanti piccoli elementi di pensiero costruitisi al suo interno mediante il vissuto di ognuno di noi, alla giusta scintilla almeno due di quegli elementi si collegano tra di loro attraendosi a vicenda e nel farlo formano un corpo più grande che attrae altri elementi fino a raggiungere una massa ragguardevole che a sua volta contribuisce ad ingrandire il tutto. In questo modo si costituisce una rete psichica altresì detta pensiero conscio.

L’essere umano è simile all’Universo perchè formato dagli elementi che compongono lo stesso e generatisi a partire dal Big Bang. Però siccome l’Universo per sua stessa definizione è unico non vi può essere qualcosa che gli somigli ma piuttosto che si identifichi, stiamo quindi parlando di identità piuttosto che di somiglianza; da ciò ne consegue che l’uomo è identico all’Universo.

Conclusioni riflessive.

Possiamo asserire con un certo grado di certezza che Umi e Sora abbiano generato un nuovo Universo resettando quello esistente piuttosto che generarne un altro. Così facendo hanno infuso nuova vita in un ciclo che stava giungendo al termine, per questo tantissimi pesci stavano morendo: è la rappresentazione visiva del concetto appena espresso. L’Universo ha bisogno di mettere in continuazione alla prova la natura dell’uomo e quindi di se stesso (ricordate? Uno è Tutto e Tutto è uno; l’uomo è come l’Universo) per decidere se vale la pena di continuare ad esistere. Se Ruka avesse ceduto ai suoi istinti il rito sarebbe fallito e l’esistenza stessa avrebbe semplicemente smesso di esistere divenendo il nulla. Non è immediatissimo come concetto ma lucubrado un po’ si ci può arrivare ricomponendo il puzzle dei vari indizi che ci sono stati presentati.

Sora e Umi: antitesi l’uno dell’altro e componenti dell’Universo

In realtà questa è solo una delle chiavi di lettura.

Possiamo infatti notare senza fatica come tutto ciò potrebbe essere una parabola psicologica della crescita di Ruka; ella superando una prova è maturata rendendosi conto della piccolezza dei suoi problemi in confronto alla vastità del tutto.

O ancora potremmo vedere Sora e Umi come lo Ying e lo Yang presenti nell’Universo e in tutti gli esseri viventi a testimonianza della duplice natura di ogni cosa: esattamente come l’uomo con l’Universo.

Il paragone tra Ruka ed il Big Bang come scintille generatrici dell’Universo: il ciclo che si va a ripetere di generazione in generazione con la fine della precedente e l’inizio della nuova a testimonianza della natura ciclica dell’Universo.

In ogni caso i rimandi alla vera identità di Ruka si sprecano nell’affiancarla ad Haruhi Suzumiya o per più esperti a Shiki Ryuogi, e nel riprendere il concetto del “Tutto è Uno e Uno è Tutto” vi è un palese riferimento a “Full Metal Alchemist“.

In realtà niente di questo è importante, la cosa veramente fondamentale da assimilare è invece un’altra: la chiarezza con la quale l’intreccio si svolge e si conclude per poi farti rimanere impresso quello che dovevi cogliere senza virare su astruse immagini al solo scopo di confonderti. “Children of the Sea” è uno dei pochissimi anime del genere in grado di fare questa cosa; “Neon Genesis Evangelion” (ed io amo alla follia “Neon Genesis Evangelion”), che è sicuramente il maggior rappresentante di questa categoria, non vi riesce anche perchè non vuole e questo è un po’ ingiusto nei confronti dell’utenza che magari vorebbe poter cogliere tutto alla prima visione. Non tutti abbiamo il tempo di acquisire un backgound culturale ed informativo atto ad una migliore comprensione per mezzo di una seconda visione illuminata.

Chiudo con una dichiarazione che farà sicuramente storcere il naso ai fan di Shinji e degli Eva: ” Lo staff di Kaiju no kodomo con quest’ultimo si è discostato parecchio dal trend della tipologia avvicinandosi al pubblico in maniera efficace e delicata senza tenergli la mano ma dandogli comunque gli strumenti per poter avanzare da solo. Il colpo che hanno sparato non è andato al centro ma vi si è avvicinato davvero parecchio; attenzione Hideaki Anno perchè con la prossima cartuccia potresti essere sbalzato a forza dal trono di Benchmark di riferimento. Questa è un opera che chiunque, anche chi non guarda anime, deve guardare per mille motivi diversi; di cui il più importante è ESISTERE”.

Giappone, c’è l’hai di nuovo fatta!

Permettetemi sono un un’ultimissima digressione: “Nel voler attribuire un aggettivo totalizzante all’Universo io direi che è egoista perchè non vuole rivelarci i suoi segreti; nel voler invece attribuire un aggettivo totalizzante all’essere umano io direi che è egoista perchè per la sua sopravvivenza, il cui istinto è innato (generato quindi da chissà che cosa, forse l’Universo, mah!), farebbe di tutto”. Io non so se nella mente di Daisuke Igarashi questa fosse l’idea di base, ma se così fosse avrebbe dimostrato in via teorica, ancora una volta, che l’uomo è come l’Universo.

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Animazione: questione di Budget.

Allora. Parlare di animazione, intesa come settore del comparto tecnico, è un qualcosa di molto importante per me se non addirittura fondamentale. Ci tengo così tanto che il solo scriverne mi fa sentire in difetto nei confronti di me stesso: vorrei potervi esprimere tanti di quei concetti da far si che chiunque ne legga abbia una visione a 360 gradi come la mia; in modo da poterne dibattere per ore e creare così un dialogo lungo, ricco e articolato. Questa passione così bruciante che ho nelle vene d’altronde riguarda gli anime, non i manga e secondo me la pietra miliare da cui oggi deve partire un adattamento animato od opera originale che sia, è l’animazione di buon livello. Non so se con questo articolo riuscirò nell’intento di raggiungere tutti quelli che voglio raggiungere, si può fantasticare quanto si vuole ma in Italia non siamo così tanti a condividere questo interesse e quelli a cui importa di questo frangente sono ancora meno, ma ci voglio comunque provare. Ah si, mettetevi il cuore in pace: l’articolo sarà lungo! E ne vado fiero…

“Principessa Mononoke” animazioni superbe

Contesto storico.

Partiamo da una considerazione: è impossibile sapere quando il comparto tecnico di un’anime è diventato importante per la fruizione del media stesso. Questo per due motivi, il primo è che per tanti anime ancora oggi non è minimamente importante poichè magari la storia non si deve reggere su scene d’azione; il secondo è che impossibile determinare una data unica che accomuni tutti i fattori che han fatto si di questo. Comunque se dovessi azzardare una decade sarebbe quella degl’anni 80′ (le opere degl’anni 80′ sono arrivate in Italia negl’anni 90′) visto che per l’epoca la maggior parte dei cartoon giapponesi che sono arrivati qua da noi erano della giusta qualità visiva per poter essere goduti appieno.

Ora, io immagino che per i primissimi anime il comparto grafico non fosse granchè importante, già solo il fatto di poter vedere i disegni di un fumetto prendere vita ti sarebbe dovuto bastare. Ovviamente in seguito, come per tutto, l’avanzamento tecnologico ha portato, tra le altre, cose ad un diversificazione produttiva, maggiore scelta ed affinamento dei gusti di chi usufruiva.

Prima di andare avanti però è bene precisare che il comparto tecnico di un’ anime è composto da: disegno, animazione e audio. Io nell’articolo voglio trattare solo ed esclusivamente la seconda ma per il momento ho bisogno che teniate a mente anche il primo.

L’evoluzione del campo in questione avrà fatto presto rendere conto alle case produttrici che i disegnatori hanno sempre lo stesso costo ma le animazioni no. In particolar modo le animazioni dipendono dalle tecnologie e le tecnologie costano, i disegnatori invece sono quel costo fisso che c’è sempre stato. Ecco perchè oggi vediamo tantissimi anime i cui disegni al peggio sono perlomeno decenti ma con le animazioni che nei momenti top ci fanno rimpiangere “Dragon Ball“, il che è tutto dire.

Bello… ma le animazione pure in Super sono rimaste quelle di trent’anni fa

Budget, Contesto e Studio di Animazione.

Questo titoletto è importantissimo, perchè la differenza tra una produzione di successo e un dimenticabilissimo adattamento passa proprio per questi tre step e non è “X Factor“, non basta vincerne due su tre.

Il budget dedicato ad un progetto può dirci tutto come niente, bisogna quindi contestualizzarlo e per contestualizzarlo bisogna rispondere a determinate domande: che genere di anime è? Di quante puntate consta? Cosa si aspetta la gente da quest’opera? A che studio di animazione è affidato?

Nel rispondere approfittiamo anche per analizzare due cosette.

Che genere di anime è?

Se stiamo parlando di uno shonen battle il budget deve essere necessariamente più alto rispetto a quanto non lo sarebbe quello di uno shojo per esempio, questo perchè nel primo le scene riguardanti l’azione sono ovviamente più massicce e sono proprio quelle che determinano per quel genere la riuscita del comparto tecnico. Chi se ne frega se in “Wolf Girl and Black PrinceErika non corre in maniera naturale e credibile, è un’anime romantico eh che cavolo! Quello di cui ci importa è che Juzo di “No Guns Life” quando faccia a cazzotti ci dia l’impressione di dinamismo, spoiler: non lo fa, ma proprio per niente!

Si Balverino, ok… ma più alto rispetto a cosa?… Bella domanda ragazzi!

Allora, se noi incrociamo i numeri fornitici da Masamune Sasaki, Shinji Takamatsu e Takayuki Nagatani rispettivamente esperto di computer grafica, esperto di animazione ed esperto di produzione; la cifra che otteniamo varia da 95.000 fino a 140.000 euro a puntata. Questo range così ampio dipende proprio dal tipo di anime che approcciamo. Capiamo quindi bene che mentre lo shonen si dovrebbe spostare verso destra, lo shojo dovrebbe farlo verso sinistra. In mezzo a questi due inoltre, ogni categoria trova la sua giusta collocazione: per esempio lo spokon nel centro destra, il seinen a tema mondo del lavoro nel centro sinistra e così via.

Di quante puntate consta?

Quanto è più lungo un adattamento, più il budget deve essere alto, oltre ad essere più attentamente dilazionato. La dilazione difatti è forse ancora più importante della quantità di liquidi a disposizione, poichè se del milione e mezzo di euro stanziati per l’opera ne vengono usati 500.000 per i primi 5 minuti di visione allora non c’è da stupirsi se il restante minutaggio risulta scabroso. Questo problema ad esempio lo ha “Deadman Wonderland“, troppi cash nelle prime due puntate e poi quella dinamicità è tornata farci un saluto per 15 secondi dell’ultima; ma aspettate non è sempre così semplice la questione. Ci sono anche quelli che fanno i furbetti, tipo “Towa no Quon”, che per il trailer ti spara la scena con la più alta concentrazione di denaro, poi te la ritrovi come prima scena di combattimento nell’anime e pensi: figo! Subito dopo vedi calare la qualità in un maniera imbarazzante ma a te non importa perchè non stanno combattendo e così vai avanti fino allo scontro successivo, lo vedi… cos’è sta roba?! Ma dove sono finiti tutti quei movimenti fluidi e dinamici di prima? I produttori non sono stupidi e lo sanno quello che rimugini nella tua testolina; ti mettono il rissone centrale un po’ più sistemato ma non troppo, altrimenti non ci sarebbero abbastanza soldi per fare l’ultima e più infame mossa. Dopo quella collinetta di qualità tutto il resto è spazzatura ma ormai sei quasi alla fine e che fai, lo lasci li? Certo che no, così arriva la sequenzona finale dove hanno buttato tutto il restante conio e il risultato è una catena di scene una più figa dell’altra: lo concludi, non ti senti neanche troppo in colpa perchè il contentino in chiusura lo hai avuto e davanti allo schermo del pc fai la dichiarazione che ti consacra definitivamente come un idiota. Ma si! Io a questi un’altra possibilità gliela do, spoiler numero 2: me ne sono pentito amaramente.

All’inizio del paragrafo stavamo dicendo di come la dilazione e la lunghezza della fatica animata siano i due lati di un’unica moneta. Quindi adesso trattiamo della controparte. Di solito le lunghezze standard sono 12, 24, 200 e più episodi; se un anime è suddiviso in stagioni generalmente ognuna è composta da 12 o 24 puntate e questo è il caso di “Boku no Hero Academia“, contrariamente “Naruto Shippuden” viene considerato un blocco unico da 500 episodi, vi saranno quindi delle differenze in fase di preproduzione sopratutto per quanto riguarda le aspettative che il pubblico avrà nell’accompagnare un arco bello massiccio della propria vita ad un opera a cui si affezionerà. Poi si riprenderà il discorso della dilazione del budget che per un anime di così lungo corso ha delle logiche diverse: visto e considerato che quando parliamo di oltre 200 puntate si parla solitamente di battle shonen, di combattimenti ce ne sono sempre; quindi il ragionamento verrà ingigantito e non si discuterà più di sacrificare puntate ma bensì interi archi narrativi: magari quelli meno importanti e densi di battaglie. Questo è perfettamente normale e comprensibile. Quello che non è comprensibile è come lo Shippuden essendo un filler vivente abbia venduto ai distributori un bordello di puntate fuori tema realizzate male, perchè tanto a nessuno frega niente delle sottotrame, solo perchè il brodo allungato viene venduto per una maggiore quantità. Resa maggiore con costi più contenuti, eh si, bello così!

“Towa no Quon”, furbacchioni!

A che studio di animazione è affidato? Che cosa si aspetta la gente da quest’opera?

In realtà qui le risposte sono quelle che influenzano meno il computo totale. Se los denaros c’è allora volenti o nolenti l’animazione come si deve la tiri fuori; certo è che se lo studio di animazione è tanta roba, da bello te lo fanno divenire straordinario. “Demon Slayer” di base è un battle shonen come non se ne vedono spesso ma con uno staff come la “Ufotable” dietro, i giochi di luci e colori sono diventati metro di paragone accademico da quel punto in avanti. Quel saltino di qualità in più te lo fa fare anche cosa la gente pensa del manga da cui è tratta l’opera, le aspettative che si è creata. Se la casa di produzione è conscia della cosa, potrebbe preventivare un fondo più sostanzioso: in questo modo la prima stagione di “One Punch Man” tramire la “MadHouse” è diventata leggendaria(tra l’altro la MadHouse ha animato anche No Guns Life quindi anche loro falliscono, anche se li credo fosse dovuto alle troppe poche risorse disponibili e troppo distribuite verso i disegni; in fondo ma chi è voleva l’adattamento di No Guns Life?). Contrariamente tanto potere finanziario nelle mani di roba come la “Kinema Citrus Co.“, autori di quel “Code: Breaker” che tutti vorremmo dimenticare, potrebbe portare un successo assicurato ad essere un flop clamoroso; cosa rara ma non tanto quanto potreste sospettare(The Rising of The Shield Hero è un anime bello ma per la narrativa originale e la storia in se per se, non di certo per le animazioni. Oddei qualche sprazzo di qualità c’è ma per il resto siamo bassini) Inoltre il discorso prima fatto per le aspettative vale anche fatto al contrario.

Cosa si intende per buona e cattiva animazione?

Io non voglio arrogarmi il diritto di dirvi cosa è animato in modo giusto e cosa in modo sbagliato. Però ci sono alcuni parametri oggettivi a cui bisogna prestare attenzione, sopratutto quando si animano i combattimenti; un bell’anime con pochi combattimenti anche se animati male non cambia il mio giudizio complessivo su quell’opera, perchè so che non era intenzione degli autori catturare la mia intenzione visiva in quel modo. Au contraire se un anime con bei disegni, caratterizzazione dei personaggi ottima, storia interessante e ben costruita ha al suo interno una miriade di combattimenti e questi sono per la maggior parte animati male posso anche passarci sopra quel che basta per arrivare alla fine; ma se sono animati male in quantità tale da non permettermi neanche di prendere il fiato dalla monnezza visuale che sto guardando, io lo droppo a piè pari.

Per farvi capire di cosa si sta parlando voglio farvi due esempi: nel primo andremo ad apprezzare la sequenza e ad evidenziare gli aspetti positivi, nel secondo andremo invece ad analizzare gli aspetti negativi ed a capire perchè sono tali. Tenete comunque presente che tra i due mondi che andremo a citare ci sono miliaglia di sfumature, ma quelle lascio a voi il piacere di scoprirle.

Naruto in modalità 6 code vs Pain.

Questo scontro qui, signori miei, è uno dei migliori esempi di animazione fatta come si deve dei tempi moderni. Esiste un preciso cocktail di elementi che determinano il far si di questo: quando succedono tante cose a schermo le inquadrature sono sempre lontane per farti visualizzare la totalità della scena, in questo modo si può apprezzare al meglio la potenza di ogni mossa speciale ed i suoi effetti distruttivi; non solo! Quando questo succede viene posta enfasi sui flash di luce bianca e accecante, in questo modo viene data una conclusione allo scaturire di una forte energia e l’impatto emozionale culmina in un climax da pelle d’oca. Ogni colpo inferto è fisico e quasi lo senti sulla tua pelle, complice anche il sound design, i pugni sono accompagnati da spostamenti d’aria che si avvolgono in maniera voluttuosa intorno all’arto che adesso è in primo piano; lo scambio di mosse e contromosse è studiato, non fatto a caso, ciò da una reattività ai personaggi e li fa sembrare vivi. Ogni singolo frame possiede al suo interno personaggi che muovono più parti del corpo insieme, in questo modo non si cade nell’effetto piattume. Le distruzione ambientale è rappresentata e questo contribuisce ad una maggiore convinzione del tutto, e anche in questo caso nulla viene lasciato al caso: quando qualcosa si spacca le sue parti vengono rappresentate in modo netto, definito e spigoloso per meglio dare l’idea di dinamicità. Le inquadrature non sono statiche, si muovono in continuazione e sono attente a cogliere l’essenza migliore del confronto in quel dato momento. Tutto questo al prezzo di cosa? Qualche faccia non disegnata nel mentre succede tutto sto ben di Dio, ma fatemi il favore! Che con tutta quella abbondanza neanche te ne accorgi perchè sei impegnato a cogliere tutte le altre 1000 cose che stanno interagendo tra di loro.

Non so se ci siamo spiegati…

One Piece.

Giuro: faccio questo esempio e poi chiudo l’articolo; lo so ragazzi, fidatevi, è stata dura anche per me.

Pensavate prendessi una scena definita? No, One Piece è nella sua totalità un’aberrazione visiva; anche nei disegni, per carità è lo stile di Oda ma a me non piace niente e se per lo stile di disegno buttandola sul gusto personale riusciamo a salvarci, per l’animazione tranne pochissimi casi selezionati che comunque non raggiungono mai l’eccellenza non ci siamo proprio.

Allora: movimenti dei personaggi legnosi, ogni azione corrisponde a svariati frame bloccati con le righine oblique in movimento per farti capire che non hanno una paralisi ma si stanno muovendo, non esiste consequenzialità negli scambi: prima colpisce uno nel mentre che l’altro aspetta e poi è il suo turno, farme per frame gli attori muovono singole parti del corpo per volta, inquadrature sempre strette, distruttibilità ambientale inesistente, colori costantemente desaturati, effetti visivi quasi a zero e quei pochi che ci sono ti fanno uno strano effetto per il quale ti sembra tutto ancora più immobile; devo aggiungere altro? Io non credo.

Cosa sto guardando?

Daje regaz, cioè è palese! La differenza traspare proprio dalle pics, cavolo in quella di Naruto contro Pain riesco ad avvertire sinceramente il movimento!

Ah! Giusto per fare una precisazione, così ci leviamo ogni dubbio di torno: One Piece è un anime iniziato nel 1999, nel 1995 esce “Principessa Mononoke“; di cosa stiamo parlando? E non mi venite a dire che non posso fare questo paragone perchè c’è Miyazaki di mezzo, infatti ve lo anticipo: neanche lo “Studio Ghibli” mi sta troppo simpatico ma riesco comunque a riconoscere quando un capolavoro è tale, come dite? Aveva un budget alto? Secondo voi che budget aveva l’adattamento animato di “One Piece” visto il successo del manga? Ve lo dico io: tanto da far leccare i baffi alle migliori produzioni CloverWorks. Ma poi, in tutta franchezza, anche volendo ipotizzare che agl’inizi nell’adattamento animato non ci si credesse poi così tanto, bisogna comunque considerare che dopo vent’anni le animazioni sono le stesse. Ma non pensate che c’è l’abbia con One piece eh! Lo stesso errore lo fa Dragonball: aspettative alte, budget presente… animazioni di trent’anni fa…

Basta, l’ultimo paragrafo mi ha amareggiato. Sono stanco, è tardi ed ho pure sonno; questo articolo è durato fin troppo, le conclusioni tiratemele voi e fatemele sapere qui sotto nei commenti. Io vado a dormire, ci vediamo domani. Vi voglio bene.

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Psicologia dei Personaggi degli Anime II:

Aizen di “Bleach”.

Se io vi chiedessi qual’è il Villain definitivo del mondo anime, chi mi rispondereste? A questa domanda potete dare libero sfogo nei commenti e nel mentre che ci pensate io vi spiego perchè secondo me Sosuke Aizen rappresenta il perfetto archetipo dell’antagonista. Eh si! Oggi ci andiamo giù pesante, preparatevi.

Aizen prima di rivelare la sua indole

Caratteristiche fisiche (primo arco narrativo).

Aizen ha l’aspetto di un uomo sulla trentina andante con capelli di media lunghezza che gli coprono parte del viso, la sua forma fisica è buona: risulta alto e di forte costituzione. La parte superiore del corpo è robusta, infatti addome e spalle sono leggermente più sviluppate della vita che comunque è quella di una persona allenata.

In ogni caso la sua caratteristica più peculiare è il grande e squadrato paio di occhiali che adornano una faccia sorridente e bonaria.

Caratteristiche fisiche (secondo arco narrativo).

La situazione cambia radicalmente quando Aizen rivela la sua indole: i capelli sono portati tutti all’indietro e solo un consistente ciuffo sporge dalla parte frontale. Questa nuova acconciatura dona al suo viso dei lineamenti più gentili e vezzosi, il suo sorriso cambia in una smorfia più tagliente e meno espositiva della dentatura; inoltre gli occhiali spariscono per far posto ad uno sguardo profondo e sferzante. Volendo lo si potrebbe addirittura definire ringiovanito.

Aizen dopo aver rivelato la sua indole

Durante lo svolgersi di tutta quanta la storia Aizen cambia più volte forma ed aspetto ma siccome non è la sua componente fisica che ci interessa in questa sede, sorvoleremo su queste per andare magari a riprenderle più in avanti tramite degli accenni; in modo da meglio contestualizzare il suo spazio psicologico.

Carattere falso e carattere vero.

In concomitanza del cambiamento fisico Sosuke muta anche carattere e personalità, passando dal suo falso alter ego al suo vero io.

Dapprima considerato una persona rispettabile, pacifica ed amorevole; Aizen passa all’essere sadico, spietato e carismatico. Tutti fattori canalizzanti per la sua innata freddezza calcolatrice e per la sua manipolazione.

In entrambe le sue versioni conferma il suo lato composto e pacato condito da una melliflua cordialità. Il rovescio della medaglia consiste però in una facilissima tendenza all’intimidazione il cui trigger scatenante risulta essere la contraddizione nei suoi confronti.

A differenza del suo aspetto la personalità di Aizen non cambia nuovamente all’interno della serie, ciò che invece segue a ruota il primo è la sua componente introspettiva.

Psicologia del personaggio.

Partiamo da un fatto assodato nei Databooks ufficiali di Bleach: Sosuke Aizen è lo Shinigami più potente tra tutti, poichè nonostante i suoi valori parametrali siano uguali a quelli di Genryusai Shigekuni Yamamoto Aizen ha dalla sua il genio e l’Hogyoku. Detto questo…

Aizen è da sempre stato un genio superiore a chiunque altro e molto probabilmente questo ha portato a due conseguenze principali: delirio di onnipotenza e solitudine. La seconda in particolar modo dev’essere stata un sentimento pressante per Sosuke: spesso i i più talentuosi sono anche i più visionari e nel vedere una realtà che ancora non esiste potrebbero sentirsi oppressi dall’ambito sociale nel quale sono costretti , che spesso e volentieri tarpa le ali. Aizen in particolar modo odiava l’idea di dover sottostare a qualcun’altro, chiunque egli fosse; poco importa si parlasse di un superiore in comando o del Re delle Anime, lui non poteva sopportarlo, sopratutto in virtù del fatto che possedeva la consapevolezza di poter andare oltre a tutto ciò.

Un giorno Aizen nello spingersi sempre più in la con le sue ricerche colse la semina dei suoi studi riuscendo a creare l’hogyoku: un piccolo globo il cui grande potere consisteva nell’esaudire i desideri del suo padrone. All’inizio i reali poteri dell’oggetto non si conoscevano e fu solo grazie ad Urahara Kisuke che gli esperimenti di Sosuke si potettero sbloccare: Urahara era giunto alle stesse conclusioni di Aizen creando un secondo hogyoku; Aizen capì che il suo era incompleto e che per ottenere dei risultati definitivi i due oggetti del potere dovevano fondersi.

Cosa sarà successo nella psiche di Aizen in questo frangente?

Per ammissione dello stesso Sosuke la persona più eccelsa in campo accademico all’interno del Seiretei è proprio Urahara Kisuke. Sicuramente Aizen nello scoprire un suo pari a livello intellettuale ne sarà stato inizialmente felice ed euforico, ma lui conosceva la natura di Urahara e sapeva molto bene che le sue sue visioni non sarebbero state condivise; probabilmente a quel punto la momentanea estasi si sarà trasformata in stizza. Altro fatto importante da considerare in questo segmento della timeline è la fiducia che Aizen riponeva in Ichimaru Gin all’epoca bambino; la stranezza della cosa deriva dal fatto che per elaborare il suo piano Sosuke necessitava di un buon grado di segretezza di intenti oltre ad un massiccio switch del suo ego ed in questo clima oltremodo guardingo, credere in un bambino che per sua stessa natura è mutevole nei comportamenti risulta quantomeno peculiare. Molto probabilmente Aizen riusciva a cogliere in Gin quello spirito fanciullesco proiettato verso l’impossibile ed il fantastico, libero com’era dalle catene del pubblico giudizio.

Ichimaru Gin

Gl’anni passati a fingersi qualcuno che non era hanno di certo destabilizzato la psiche di Aizen che a quel punto avrà cominciato a confondere il suo desiderio di essere capito con la volontà di adeguarsi agl’altri in modo da potersi definire normale: un po’ come sosteneva anche Ichigo Kurosaki. A tal proposito infatti durante l’anime si riesce a percepire tutta la liberazione che Sosuke ha potuto provare mostrando il vero se stesso al mondo intero, sentimento rafforzato nel momento in cui decide di abbandonare i suoi costrittivi natali per assurgere ad entità rivelatrice e liberatrice. Aizen vuole creare un esercito ed essere a capo di esso per poter mettere a nudo la debolezza del Gotei 13, con gli stessi intenti vuole uccidere il Re delle Anime poichè dal suo punto di vista ciò getterà verità su come il mondo dovrebbe realmente andare. A livello simbolico lo spartiacque tra prima e dopo viene rappresentato mediante l’illusione, da Aizen stessa creata, dell’omicidio di Sosuke.

Il picco di questa ascensione spirituale culmina con la fusione di Aizen e dell’hogyoku, permettendo a Sosuke di trascendere sia gli Shinigami sia gli Hollow diventando di fatto una semi-divinità. Durante le fasi della guerra che lo porteranno più volte ad evolversi in forme sempre nuove e diverse diventa evidente quanto in realtà Sosuke non sia invincibile: egli subisce! Ma a differenza di una persona normale sfrutta la paura per forzare trasformazioni dettate dall’istinto di sopravvivenza. In ultima istanza Aizen, durante le fasi finali della saga, chiede al suo dogma lo sforzo ultimo divenendo un Dio completo. Si potrebbe quindi pensare che a questo punto Sosuke sia realizzato ma la verità dei fatti è che un Dio è ancor meno compreso di un genio: neanche Kurosaki Ichigo, colui che Aizen aveva indirizzato fin dalla nascita per essere un degno avversario come suo pari riesce a soddisfarlo; ma la battaglia è comunque feroce e le fatiche del prodigio bruno si fanno sentire, il sigillo di Urahara ha effetto ed Aizen rimane imprigionato. Urahara ragguaglia Aizen circa la sua debolezza in quel momento effettiva e tangibile, dichiarando che non ha più il supporto della sua gemma in quanto essa non lo riconosce più come padrone.

Rispetto alle due ultime righe di testo la mia personale opinione è che in realtà Aizen ce lo avesse eccome il supporto dell’hogyoku: semplicemente il globo riconoscendo la forza del suo padrone, nel resistere al Mugetsu di Ichigo, decide di concedergli la realizzazione del suo più intimo desiderio rendendolo più debole ed allineato al resto del mondo e quindi di conseguenza comprensibile.

La tecnica finale di Ichigo Kurosaki: Il Mugetsu

Nella saga della guerra dei mille anni Aizen non perviene nessun interessante risvolto mentale, sicuramente la prigionia gli ha dato modo di riflettere ma anche nel suo agire vi è qualcosa di ozioso. Sosuke si è arreso, aiuta Ichigo soltanto perchè proprio non riesce a sopportare Yhwach; probabilmente non essendo più schiavo delle sue stesse convinzioni ha trovato la serenità.

Considerazioni finali.

A mio avviso Aizen è un personaggio veramente ben scritto, il suo carisma magnetico rompe la quarta parete costringendoti a trovarlo interessante e più di una volta a tifare per lui. Non è esente da difetti: come l’ingiustificata assenza del suo Bankai o il suo inesistente studio dedicato alle capacità di Orihime. Il paragone più azzeccato che mi viene in mente per poter descrivere l’epopea dell’ ex capitano della quarta divisione è la storia di Jordan Belfort in The Wolf of Wall Street; è infatti interessante notare come entrambi i personaggi una volta in prigione trovino la libertà interiore nel non essere più succubi di loro stessi.

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